Comments 45
Очень важно для композитора - это уметь импровизировать на ходу. Ну вот например взять фортепиано. Берешь и играешь все из головы, и все записываешь, получилось-не получилось - неважно. Каждый раз оно что-то новое, иногда проскакивают частички других композиций. Затем эти записи в другое свободное время переслушиваешь, беря оттуда удачные решения. У меня над инструментом вообще видеорегистратор стоял, включаешь - сразу включается запись. Есть такие штуки, которые вообще сложно понять, как ты до них додумался, ведь можно месяц сидеть и ничего в голову не придет. Можно писать музыку и в уме, но обстановка часто не располагает. А уже потом, когда примерно понятно все становится, можно сесть за секвенсор и по памяти набить костяк мелодии. Или за миди-клавиатуру, но предпочитаю все же по памяти, потому что исполнитель из меня довольно не очень, но говорят, это даже хорошо.
То есть наработки "в столе" по любому должны быть. У меня их тонны,реализовано из них готового - 0.1%, остальное наверное там и останется, ну и нормально даже. Это как добыча алмазов.
Видеорегистратор - это зачёт :), порадовали. Наработки в столе, конечно, у всех есть. Но, увы, не всегда подходят, если стоит конкретная задача. При всём том, что я пишу до фига "космической" музыки, когда знакомая попросила для курсовой работы - фантастической короткометражки - написать музыку, ничего из этого вагона наработок не подошло.
Кстати, одно время я всё делал именно из таких наработок - открыл закрома родины, выбрал что на душу лучше ляжет, и допилил слегка. И снова отложил на год. :) Так, по партии в год, и дописывал. А в прошлом году издатель предложил сделать к сборнику электронной музыки на день космонавтики что-то, что не публиковалось. И у меня встал жёсткий дедлайн и вполне чёткая цель. Задачу я решил, и после этого уже две работы написал с нуля и не откладывая в долгий ящик. И - есть в этом своя прелесть! :)
Да - а регистратор я заменяю тем, что у современных кубейзов миди пишется даже если запись не нажата - достаточно, чтобы трек был взведён на запись. Так что даже если включен драм трек и я под него импровизирую в цикле - оно пишется и одной кнопкой можно вставить в трек.
В Reaper теперь тоже есть ретро-МИДИ запись, а скриптом реализуется и аудио-ретро (но диск расходуется быстро, особенно на многоканальных картах). Но если группа склонна к куражу - потом на отрывках из обрывков можно собрать шикарную вещь, которую сыграть с таким напором “дыхания” просто невозможно.
Регистратор удобен тем, что не нужно открывать кубик, условно steinberg grand piano и вперед, а то и если электропианино то вообще компа не нужно. У меня есть такая боязнь сцены что ли, короче когда специально запись включаешь то творчество на минимум. А когда не знаешь, спонтанно - оно само собой идет...Нет, исполнитель из меня крайне негодный.
Это вообще отдельная проблема. Я тоже через десяток лет работы только в студии понял, что слишком много отдаю на редактирование. Ошибся в ноте - фигня, подправим в кубейзе. Соло? Восемь тейков импровизации в цикле, потом ножницы и клей. А с одного раза сыграть разучаюсь. Стал собирать друзей поиграть живьем на дни рождения, репетировать. В итоге кое-что начало получаться. В основном, конечно, всё равно играем то, что с детства играли, тот же Пинк Флойд. Вот тут есть неплохая запись. Это всё живая запись с концерта в многоканальном варианте, пересведённая в студии.
Можно заучить произведение и натренироваться в игре с точностью до ноты. Но это к композитору мало подходит, зато подходит к лабуху. Сыграет идеально.
При этом, что самое интересное, композитору тоже следует выучить как можно больше произведений. Не прослушать (хотя это как эрзац пойдет). Как он там их играть будет - дело десятое, главное то, что как при чтении - много читаешь > лучше работает орфографический фильтр ошибок > пишешь грамотно, сам того не осознавая > расширил словарный запас и речь твоя становится интеллигентнее и более емка. В музыке все так же.
Это хорошая, но недооценённая статья. Мне кажется, что заголовок стоит поправить на "Как создавать музыку", т.к. я ожидал увидеть информацию о звукозаписи. А тут такой бриллиант.
Вы упустили импровизацию как один из методов написания музыки. И да, импровизации тоже учат.
Мне кажется, Вы не заметили ключевой идеи статьи. Как писать музыку, если вдохновение не пришло. Импровизация - это обратный случай, когда вдохновение пришло. В этом случае всё пишется само и эта статья не нужна. Или частично не нужна. Потому что импровизация позволяет написать фрагмент. А драматургию всё равно надо выстраивать ручками.
Так что я не упустил импровизацию, а сознательно говорил о том, что находится за её пределами.
И, мне показалось, что Вы говорите слово "импровизация" с некоторым придыханием. Я играю на гитаре лет 40, на клавишах - поменьше, но уже более четверти века, могу сыграть Гилмора на гитаре и Жана Мишеля на синтах, и поиграл с многими приличными музыкантами. Так вот, по опыту: в целом умение импровизировать упирается исключительно в желание это делать. И в умение, взяв ноту не из тональности быстро превратить её в форшлаг с умным видом. :) И в тупую наигранность - сыграй 200 чужих вещей, каждую по 50 раз, и будешь импровизировать просто от скуки - нельзя же нота в ноту повторять. Хорошо ещё взять самоиграйку со стилями, и сыграть feelings врубив стиль "самба" - просто придется что-то выдумывать, чтобы уложиться в ритмику. Так что, конечно, научиться можно.
А учат импровизации по всякому. Иные вдолбят в ученика пентатонику, вот и всё умение, гуляй по ней, не промажешь. :)
А так-то я 90% своей музыки написал именно импровизируя. Причём больше половины записаны вообще с одного тейка. Просто это не то умение, которое мне в данный момент интересно обсуждать.
Полезна (я надеюсь!) она будет тем, кто хотя бы что‑то уже написал и хочет уметь делать это не по наитию, а системно.
Как по мне, то получилось очень полезно! Хоть я давно уже пришёл к дзен-композиторству (можешь не писать — не пиши!), но вот лет 20 назад, когда был краткий период не могу не писать такой туториал был бы очень в тему. Тогда я как раз пришёл в кровавый энтерпрайз и стал зарабатывать более чем достаточно, и нормальным ходом было «пришла в голову басовая пульсация, попробовал на гитаре через октавер, фу-фу-фу — поехал купил простенький бас и комбик варвик» или «понял, что текст ну никак не вытанцовуется — обратился к знакомому по FIDO поэту из Питера с просьбой разрешить его материал на музыку тогось».
Но никогда не знаешь, когда накроет, так что запомним-с рекомендации!
Меня вот знакомые по ФИДО поэты материалами не снабжают, враги. Так и пишу инструментал. :)
Ну так и меня ведь не снабжали — в том смысле что поэт писал сам по себе, а я его сборник стихов почитал, ну и попросил разрешения. Кстати, как оказалось, не только я на его слова музыку изображал, видно был некий песенный посыл там (или просто совпало). С другой стороны, бесхозных стихов много, да и вокализ / scat singing никто не отменял.
Инструментал сложнее сделать законченным произведением (согласно максиме «… когда нечего убавить»), тем больше уважения тем, кто им мастерски владеет. Вспомнил вот Джо нашего Сатриани, который впрочем в Crowd Chant мощные текста задвинул ;-)
Думал, музыку пишут из головы из /dev/random. Она там играет, ты просто записываешь.
Оно иногда так. Играет, а вот с "просто записыванием" сложности. Зачастую она очень круто играет ровно тогда, когда только-только лежа в постели осталось до отрубания 10,9,8,7...И играет там обычно такое, что даже вскочив в этот период, сложно записать это, даже напеть. Тем не менее у многих именитых композиторов это получалось, сложно но не невозможно. "В траве кузнел сидечик" в голове обычно не играет, там обычно жесть сложно как, и это надо не забыть за ближайшие 5 минут и передать основную мысль тебе новому, который встанет завтра с кровати.
Она, во-первых, не всегда играет, а во-вторых, не всегда играет то, что попросили написать. И, хуже того, иногда зацикливается, когда пора бы ехать дальше.
По названию статьи я боялся увидеть рекламу популярных нервных сеток для музыки, а тут прям всё по-человечески. Хоть и не моё, но интересно.
САМАЯ БАНАЛЬНАЯ последовательность нот во вселенной
Вот это, кстати, тоже один из моих любимых примеров, как из комбинации простейших вещей выходят шедевры.
Ещё один шедевр - Рефрен 21-го концерта для фоно Моцарта, Адажио.
Специально зарегалась, статья задела. Как чел с консерваторским образованием (композиция) скажу,что писать басы , а потом накладывать на нее мелодию - это бред. Мелодия - основа всего и она внутри себя уже содержит внутреннюю гармонию (которую вы должны почувствовать) и соответственно басы. Писали выше про импровизацию- да, это верно. Нужно уметь садиться и играть, что взбредёт в голову по настроению .
Как человек без музыкального образования вообще, но с некоторой наслушанностью в поп-музыке, замечу: «писать басы» в данном контексте не столько про гармонию, сколько про ритм. Яркий пример здесь, скажем, Лес Клейпул / Les Claypool (пошёл пересматривать Primus – “Mr. Krinkle”).
Спору нет, классическое четырёхголосие содержит в себе и гармонию, и ритм — но людям без консерваторского образования проще сперва ритмическую основу прописать (а бас-гитара и доступней, и пишется проще, чем полноценная ударная установка), потом согласованный с ритмикой гармонический контекст, и уже в рамках последнего один (или больше) голосов мелодии.
Мэм, я признателен!
В свою защиту :) имею сказать вот что:
ThingKrimson меня верно понял.
Я не имел в виду написать бас - там, увы, ошибочно применен термин "партия баса", и это, видимо, сбивает с толку. В поп музыке (да не только) бас, как правило, держится на 1-2 риффах, и структура басового рисунка в существенной степени определяет настроение и ритмику композиции. Вот этот рисунок и может быть отличной затравкой для композиции. Это я и рассматриваю как одну из наиболее алгоритмизируемых схем работы композитора.
Если чуть-чуть плюнуть на каноны, то можно, можно идти и от баса. Собственно, в любом случае бас несёт на себе гармонию, так что если партию баса удалось написать первой, то считай, что гармония у нас в руках. И дальше можно писать мелодию поверх гармонии (а так делает куча композиторов, в реальности), а можно писать развитие, продолжая работать в терминах гармонии. Не советую, но можно.
Мне удавалось сделать вещь, в которой бас и есть мелодия. Это редкость, и я так не рекомендую, но - не всегда надо идти консерваторским "мелодия - гармония - бас".
Ну и в который раз повторю, что задача статьи - прикинуть метод писать музыку когда в голову не бредёт, а настроения нет. А когда настроение есть, то консерватория вообще не нужна, даже субдоминанта не нужна. Да что там - можно писать музыку не зная, что такое квинта. Флейта, лужок, овечки и настроение - вот и всё, что нужно композитору. :)
По моим наблюдениям то, с чего начать, зависит от инструмента, на котором начинал учиться или чаще играешь. Кто играет на соло-инструменте, просто мыслит мелодией, и начинает с неё. Я начинал учиться с фортепиано, и в первую очередь запоминаю ход гармонии. Есть ещё барабанщики - они вообще думают под метроном. А басисты (как я сейчас) - те вообще не думают)))
Но ничто не догма, можно начинать с разных концов. Ведь вся сила коллектива - во взаимодействии друг-с-другом.
Согласна!
Маккартни был басистом, так что - некоторые думают :).
Я начинал с гитары, но я и классическое музыкальное образование говорим в один голос: музыку надо писать на клавишах. Только там можно визуализировать, реально понять и кварто-квинтовый круг, и взаимодействие мелодии с гармонией.
На мой взгляд правильно начинать писать музыку с мелодии. А легче - с гармонии. :) Но правильная гармония в верхнем голосе, особенно если не халявить и писать с 7 и 7b, содержит основу мелодии, так что это обоюдоострая тема.
Идеал - написать мелодию, а потом написать мелодически ещё два голоса, породив, таким образом, гармонию как следствие сочетания этих голосов. Классически там четыре, но можно и три. Но мне, например, это проще сказать, чем сделать. И у меня такое получается пока только в этюдах, и только если работать с оркестровыми инструментами.
Да вот полностью соглашусь.
Но три голоса вполне закроют мелодию нормально. 4 там уже оформление, это и сложно и просто одновременно, так что не рекомендую для начала.
музыку надо писать на клавишах
Поэтому-то в обычной музыкальной школе базовое фортепиано и изучают все, независимо от специализации. Можно быстро попробовать как минимум связь с гармонией
Реальное многоголосие - это ппц сложно в одиночку. Я какие-то вещи пробовал путём убирания несущественных звуков в аккорде, но это фигня полная. Бах - жив!
Прикольно: После того, как ваш ответ прочитал, в голове сутки играло вокальное многоголосие "Про дурачка". Только сильнодействующими средствами (ударной репетицией со своими товарищами) удалось переключиться)))
Думаю, субтрактивным путём многоголосие сделать нереально. Мой максимум в обычном формате написания музыки - основная мелодия в ведущем инструменте, верхний голос в аккордах, получаемый креативным подходом к обращениям, и реплики в контр-мелодии, но не сплошным голосом, а именно репликами на ведущую мелодию. В экспериментах получалось и интереснее, но это пока не доведено до релиза. Думаю, в 27 попробую довести. На этот год уже работы по другим композициям невпроворот. :)
Самое крутое это именно один голос, когда на одном инструменте можешь выразить то, что хотел. Ну вот я опять про ф-но. Потом можно сделать другие голоса с контрапунктами или поддержкой имея эту базу - легко.
Ну с другой стороны, сразу тремя инструментами писать тоже можно, никто не запрещает.
Главное - не делать мешанину. Основная мелодия - бас - фоны может в гармонию через интервал. А не то, чтобы вот звучит мелодия, а ей параллельно флейта другую мелодию выписывает. Замыливается восприятие, и кажется - ну что тут такого? А для неподготовленного слушателя это реально мешанина, пиано одно, флейта другое, и все одновременно. Есть такой композиторский прием типа диалога - пиано подает, флейта отвечает. Так оно проще, и вполне встречается в классических произведениях.
Отдельно бы выделил "цепляющие" мелодии, но это тема тянет на диссертацию, и боюсь сам не до конца ее знаю. И это не про попсу (хотя и про нее в частном порядке). Как пример тема Linkin Park - Numb, с первых нот.
Автор статьи не упомянул ещё один частый драйвер для рождения хита: просто случайно включенный удачный патч в VST-синтезаторе, который “вытащил” всю композицию буквально за хвост (коротенькое соло, басовый слайд/легато, еле слышные пэды “как в Книге Илая” ну итп.)
Да, это технократия и снобизм. Но ведь и Моцарт на серьезных щах окунал щётку в чернила, брвзгал на нотный лист и играл что получалось. Это говорит о чем? О том что мелодия была когда-то первична, но теперь нет.
Все гармонически возможные мелодии (~64 млрд) уже написаны генератором случайных чисел по разрешенным ступеням с паузами, и опубликованы свободно, была статья на Хабре. Но их появление не изменило в мире Музыки ничего. Никто, кто их начал прослушивать, не стал класть их а основу своих песен. Поэтому вывод: теперь мелодия - не главное. А что главнее - так это все остальное вместе: партия баса с остинато, флейта, вечно расстроенные гусли, вся аранжировка, красота и молодость вокалистки, ее собачка, постер на диске, подача на МТВ или отзыв Гергиева в антракте. Короче всё важно.
Сценический образ, как Angine de poitrine.
Почему? Вполне упомянул. Отлично сказано "вытащил за хвост". Так оно и бывает. По сути, я об этом и говорю, что ключевое - поймать настроение и какой-то хоть минимально звучащий кусочек, который зацепил и в котором чувствуешь эмоцию.
А эта тема с генератором мелодий, насколько я помню, - это борьба с судами на тему плагиата. Там идея была в том, что теперь ни на кого нельзя подать в суд за плагиат, потому что эта мелодия точно есть среди 64 млрд, а лицензия у этих сгенерённых мелодий разрешает переиспользование.
Ну а насчёт молодости собачки вокалистки - тут ничего не изменилось. Кисс взяли мир масками. Но удержали музыкой. Эпатаж работает только на входе. Привлекательность для противоположного пола работает долго и крепко, но всё равно только на этом не выедешь. Битлз точно были мальчуковой группой, по которой сходили с ума девочки, но в историю вошли не этим.
Запоминающаяся мелодия рулит. Зацепин в интервью как-то сказал - у нас не было секвенсоров, так что мы просто запоминали мелодию наизусть. Поэтому выживали только запоминающиеся мелодии. :) Я лично этой техникой пользуюсь. Написал мелодию, лёг спать - попробовал вспомнить. Не получилось - надо переписывать. Или в брейк перенести, основную написать заново. :)
Комозитором, как и обещал автор, после прочтения статьи я не стал, но почувствовал себя немного ближе к этому действу. Спасибо за статью.
Спасибо за комментарий. Мне действительно важно получать обратную связь.
А композитором... один очень неплохой композитор (с отличным теоретическим бекграундом) как-то написал в соцсети в группе для композеров фразу, которую я запомнил, и с которой согласен: "композитор - это человек, получающий наивысшее наслаждение от музыки". Остальное - дело техники.
Остались смешанные ощущения после прочтения статьи. Технически, да и наверное технологически вопросов у меня нет, подход автора понятен и я могу только мысленно поапплодировать, что достаточно сложный процесс написания музыки приобрёл хорошую словесную форму.
Но смущает то, что практически не упомянуто взаимодействие слов и музыки, и здесь я не про песни. Инструменталы создаются с какой-то целью, несут в себе идею и внутренний посыл, который может быть описан словами, и композитор в музыке передаёт этот посыл. Подразумевается, что слушатель этот посыл может считать в процессе прослушивания и так же описать словами, описать, что же композитор хотел этой музыкой до него донести - красоту времён года, морской шторм, пляски Бабы-Яги или состояние влюбленности. Возможно, что я не прав, но если подобного сообщения "автор-слушатель" в композиции нет, то чем это лучше тех же генераций нейросетей?
И так как у инструментальной музыки есть смысловое наполнение (иначе зачем тогда это всё), то почему бы не начать ловлю вдохновения с текста? Дабы не быть голословным теоретиком, расскажу, как это работает у меня, и, надеюсь, это будет неплохим дополнением к статье.
1. Понять, о чём ты сейчас не можешь не написать. На этом этапе я разбираюсь с мотивацией - либо она внутренняя и связана с моими личными чувствами, либо внешняя (напиши к завтрашнему утру, а то не заплатим). Собственно и тема задаётся либо тобой, либо кем-то со стороны.
2. Понять, как ты к этому относишься, какую эмоцию ты собираешься туда заложить, как она будет развиваться (если будет). На этом этапе формируется структура произведения, его стиль и скорость, создаётся некий словарь тех фраз, которые должны быть переданы слушателю.
3. А вот здесь происходит магия - если предыдущий этап выполнен, то одна из фраз может задать ритмический рисунок всему произведению или дать ему же мелодическую линию.
А дальше можно пойти по плану, изложенному в статье, только за тем исключением, что идея, основа и структура у нас уже есть, и можно идти как в сторону песни, так и в сторону инструментала.
Спасибо за дополнение, это всегда полезно. Что же касается входящей задачи: я описывал работу по написанию музыки в срок. Это возникает, практически, только в одном случае - на музыку есть заказчик. И этот заказчик сформулировал задачу. По этой причине этап формулирования я (почти) не затрагивал. Я знаю случай, когда дедлайн есть, но задача не сформулирована - успеть с работой в сборник. Но, как правило, у сборника тоже есть тематика, так что хотя бы частично круг возможных направлений очерчен. Я так писал работу для сборника ко дню космонавтики - общая тема очевидна, а детализация уже в руках автора. (Одно обидно - я написал эпохальную вещь с развёрнутым замороченным вступлением, которое должно было изображать взлёт ракеты с Гагариным, но издатель сказал, что 8 минут - это очень до фига для сборника, и пришлось осетра урезать, начав повествование уже из космоса.:)
Как писать музыку: краткий справочник композитора